Leituras de domingo
Entrevista com Lucas Arruda por Nicolas Trembley,
publicado pela Revista Numéro, agosto de 2020 |
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Lucas Arruda, Sem Título (da série Deserto-Modelo) , 2019, óleo sobre tela, 24 x 30 cm
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Baseada na figuração, sua série luminosa e quase obsessiva de pinturas de paisagens chega muito perto da abstração com suas representações meticulosamente executadas dos efeitos da luz.
A obra do artista brasileiro Lucas Arruda é bastante específica e serial, consistindo em pinturas de pequeno formato agrupadas sob o título genérico Deserto-Modelo, termo que ele emprestou do poeta brasileiro João Cabral de Melo Neto e que usa em todas as suas exposições. Este "modelo" de paisagem imaginária serve de base a todas as suas pinturas, que vão da representação à abstração e frequentemente assumem a forma de pequenos panoramas nos quais se avista um horizonte, mesmo que muitas vezes se confunda com o oceano, a praia ou o céu.
Às vezes, porém, seu trabalho se torna mais figurativo, como quando ele retrata os matagais vegetais de uma selva imaginária. As pinturas de Arruda são difíceis de datar e os lugares que representam difíceis de identificar, mas nossa relação com as paisagens é tão condicionada por nossas memórias e pela história da arte que elas nos produzem uma estranha impressão de déjà-vu - como na obra de Armando Reverón, um pintor venezuelano que Arruda estudou profundamente, ou, mais perto de casa, Turner talvez. Assistir às exposições de Arruda é uma experiência poderosa, contemplativa e, ousaríamos dizer, luminosa, já que a luz está no centro de sua obra - às vezes ele chega a substituir suas pinturas por projeções de slides.
Numéro:
Como seu histórico influenciou você?
Lucas Arruda:
Nasci e cresci em São Paulo, a maior cidade do Brasil, que exibe todo o caos inerente às grandes metrópoles. Em contraponto a essa tensão urbana, sempre consegui fugir para Barra do Una, onde meu pai e o marido têm uma casinha no meio da natureza. Acho que essas fugas marcaram muito fortemente minha relação com a observação. Na Barra do Una desenvolvi fortes laços com a floresta tropical e com a praia, ambas unidas no mesmo lugar ao mesmo tempo.
O que você lembra dos seus primeiros encontros com a arte?
Uma das primeiras exposições de que me lembro foi Joãosinho Trinta no Centro Cultural do SESC em São Paulo quando eu tinha seis anos. Trinta foi uma figura emblemática do carnaval, encenadora de desfiles das escolas de samba cariocas dos anos 80. Fiquei fascinado pelo layout labirinto do show e pela infinidade de cores e materiais. Foi uma experiência totalmente envolvente, e voltei para vê-la novamente.
Quando você percebeu que queria ser artista?
É difícil dizer exatamente quando, porque não houve um momento decisivo - tudo aconteceu naturalmente. Sempre tive dificuldade em me concentrar por muito tempo, e desenhar era a única atividade que me permitia realmente me concentrar. Com o tempo, tornou-se uma prática que me aproximou de mim mesmo, uma forma de organizar meus pensamentos e, como tal, tornou-se indispensável. Hoje, quando olho para alguns dos meus primeiros desenhos, vejo neles muitos aspectos da minha infância. Aprendi muito a dominar as ferramentas do desenho para poder me expressar. É um processo muito profundo que evoluiu para a pintura e ainda sinto que é algo urgente para mim.
Que arte você olhava quando era mais jovem e o que está olhando agora?
Novamente, é difícil responder com precisão porque nunca parei de olhar para pinturas e sempre misturo minhas referências. Meu interesse vai de uma coisa para outra e muitas vezes tudo se enreda. Mas Armando Reverón é um artista por quem sempre me senti atraído.
Você se considera um pintor? O termo ainda tem significado para você em 2020?
Considero-me um artista que trabalha com pintura, técnica em que sinto a ligação mais íntima. Às vezes a pintura acaba influenciando todo o meu trabalho, porque sempre me questiono do ponto de vista pictórico, por exemplo sobre a luz, ou sobre referências da história da pintura.
Quando e por que você começou a introduzir projeções de slides e instalações de luz em seu trabalho?
Quando tive aulas de história da arte, fiquei fascinado com o equipamento de projeção. Não me canso de observar como a luz, projetada da parte traseira da máquina, atravessa as imagens do slide. O processo é bastante semelhante em algumas de minhas fotos, onde procurarei encontrar luminosidade na tela retirando a tinta para atingir a luz que vem de baixo. Depois de algum tempo no estúdio comecei a trabalhar com pequenos slides cuja superfície de acetato muito restrita fez com que perdesse o controle total do gesto, o que me levou a uma nova forma de pintar. As instalações leves surgiram da minha experiência com equipamentos de projeção.
Como você escolhe as cores de suas telas?
No momento estou pensando muito em cores que não são fáceis de definir, nem inteiramente uma coisa ou outra, que permanecem em uma dimensão mais cerebral - a cor que você deve pensar para chamar sua presença. Também me interesso pelas cores desbotadas, pela paleta de cinzas e beges ... Mas o mais importante é a relação entre as cores, não tanto as cores em si.
Você pode dizer algo sobre seus formatos?
Para pinturas de paisagens, trabalho principalmente com formatos pequenos. Sinto que uma paisagem carrega em si a vontade de estourar fora de seus limites, uma sensação de espaço que cria uma tensão com o tamanho restrito das telas. A floresta tropical sempre funciona melhor no formato quadrado, enquanto os monocromos podem se adaptar a superfícies maiores e com mais materialidade. Com o tempo acho que minhas peças acabaram encontrando os tamanhos e proporções que lhes cabem.
Você pode dizer algo sobre seus formatos?
Para pinturas de paisagens, trabalho principalmente com formatos pequenos. Sinto que uma paisagem carrega em si a vontade de estourar fora de seus limites, uma sensação de espaço que cria uma tensão com o tamanho restrito das telas. A floresta tropical sempre funciona melhor no formato quadrado, enquanto os monocromos podem se adaptar a superfícies maiores e com mais materialidade. Com o tempo acho que minhas peças acabaram encontrando os tamanhos e proporções que lhes cabem.
Como você exibe seu trabalho? Até que ponto o pendurar é uma forma importante de transmitir uma mensagem?
Sempre depende do espaço e de outros fatores externos, mas no final das contas trata-se de criar um ritmo. É como construir uma partitura a partir de uma sequência, da cor, dos tamanhos e das distâncias.
Você já se sentiu próximo de um movimento ou grupo de arte?
Nunca fiz parte de um movimento artístico, mas faço parte de uma geração de artistas que atuam em um contexto sociopolítico próprio do Brasil, e acredito que meu trabalho seja em parte resultado disso.
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Lucas Arruda, Sem Título (da série Deserto-Modelo) , 2018, óleo sobre tela, 24 x 30 cm
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